木板画(蒙克的呐喊属于哪一类艺术风格)
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2024-05-07
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1. 木板画,蒙克的呐喊属于哪一类艺术风格?
《呐喊》是挪威画家爱德华·蒙克1893年创作的绘画作品,共有四个版本,分别是:创作于1893年的第一个版本,其作品作为蛋清木板画;绘于1893年的第二个版本,该画作为彩蜡木板画;第三个版本,创作于1895年,为彩粉木板画;第四个版本为蛋清木板油画。
2. 西方哪些艺术画最有名?
西方哪些艺术画最有名?很高兴来回答这个问题。
西方艺术画从文艺复兴至今,大师级的艺术家几百位,能够称得上传世名作的也不下几千幅,如果在这当中说哪些“最”有名,还真就不太好下结论。
首先说,自文艺复兴开始,西方艺术画发展创立了相当多的画派,像什么哥特式、意大利风格主义、巴洛克绘画艺术、法国古典主义、洛可可艺术、法国新古典主义、法国浪漫派、英国画派、英国浪漫派、拉斐尔前派、法国现实主义、印象派、纳比派、野兽派、表现主义、意大利形而上学流派、立体派、抽象主义、超现实主义等等(知识量有限,还有很多)。在众多流派中,每个流派都有自己的代表人物,每个代表人物也都有自己的代表作品,不同流派间毕竟风格不同,理念不同,包括创作者的造诣以及画作对于后世的影响力,这些很难去相互衡量和对比。
在我所知的范围内,自己有很多敬为神作的大师作品,下面就展现出来,大家来品评一下,各抒己见,就像上面的拉斐尔的《雅典学院》里所表现得那样。因为在每个人心目中可能都会有自己认为的最有名的西方艺术画作,那么看看是否也在其中?
(由于本人列举的作品中没有“最”的概念,以下画作排名不分先后)
意大利画家,文艺复兴三杰之一的莱昂纳多·达·芬奇的旷世名作《蒙娜丽莎》。传奇的经历,神秘的微笑,迷雾重重,让世人为之神迷。传说,真品没在卢浮宫。荷兰后印象派画家文森特·威廉·梵高的《向日葵》。有人曾经说过:艺术史上,没有任何东西,能和梵高的鲜黄的向日葵相提并论。印象派代表人物和创始人之一,克劳德·莫奈的《日出·印象》。有了这幅画才有了印象派。现代艺术的创始人,西方现代派绘画的主要代表,巴勃罗·毕加索的《格尔尼卡》。二战时期反对战争,呼唤和平的大师巅峰之作。意大利著名画家,也是“文艺复兴后三杰”中最年轻的一位,拉斐尔·桑西的《西斯廷圣母》。它是拉斐尔"圣母像"中的代表作,它以甜美、悠然的抒情风格而闻名遐迩。荷兰优秀的风俗画家,被看作“荷兰小画派”的代表画家约翰内斯·维米尔的《戴珍珠耳环的少女》。世人都称:唯《蒙娜丽莎》的微笑可与之媲美。达芬奇的画作《救世主》。允许一下我的财迷思想,把它放上来,最大的原因是它在佳士得拍卖以4.5亿美刀天价成交。奥地利知名象征主义画家,创办了维也纳分离派的古斯塔夫·克林姆特的《吻》。新艺术运动划时代的作品,大大的有名!俄国巡回展览画派重要代表人物,伊里亚·叶菲莫维奇·列宾的《伏尔加河上的纤夫》,大神级的人物。小编我心目中有名的西方艺术画远不止这些,米开朗基罗、提香、修拉、鲁本斯、高更、伦勃朗等等艺术大师的名作简直太多了,如果说西方有哪些艺术名画,回答起来可能会宽泛些。不管怎样,这些名画里面有你心目中的那幅“最”有名的吗?可以留言告诉我。
共同的视角,共通的视界,我是魔韵,欢迎同道互动交流。
3. 是不是该停业一段时间?
谢邀。
虽然你配了一张水果店的图片,但是不能确定你具体做的是什么生意。
有句话叫做跳槽穷半年,改行穷三年。
现在的经济状况,很难说你停下就能找到更好的生意。更多的情况是,你停下了生意,但是也没有更好的生意,再想捡起这个生意的时候,发现门槛已经更高了,而原来的客户也没有了。
如果你现在的生意做的时间比较久了,已经有了一定的忠实客户。那么不妨多想想营销策略,看看如何提升销售额,提升服务,以此增加利润。
现在一般的商家都已经开始有意识的去建立微信群,以此维护客户,时不时的做做活动,放出一些优惠,建立更稳固的客户关系。
具体的商品也可以做一些调整,就跟淘宝店一样,有吸引客户的,也就是引流的商品,也有利润高的产品,还有体现自己形象的高端商品。以此搭配,提升销量。
现有的各项成本都罗列出来,看看哪些方面还可以缩减,尽量降低成本。
很多时候,熬到最后,也许就是胜利的曙光。
但是也要看到,也许熬到最后,还是失败。所以一个事情要综合看待,不能死心眼。
如果你有更好的项目或者产品,也可以投入时间和精力去运作,看看前景如何。
这样在旧的项目还在运转的时候,新项目逐渐培育,最终取代旧的项目,也是不错的办法。
精力上如何兼顾和分配就看你自己的安排了。如果新项目盈利良好,前景光明。自然果断放弃旧项目,全部精力投入新项目中去。
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一般来说,每个艺术家都会有一组或是几组具有代表性的系列作品。由于系列作品创作的延续性,我们可以很好地了解到艺术家在不同创作阶段创作思想的变化,同时也能从侧面反映出艺术家在该创作阶段中生活状态的改变。这就是“系说艺术”版块创建的初衷。
今天“系说艺术”版块将为大家带来爱德华•蒙克最著名的作品《呐喊》系列,带大家回到 1893年-1910年——蒙克的创作盛世时期。
1893年到1910年间,从蜡笔到粉彩再到蛋彩画,蒙克共创作了四个版本的《呐喊》,最早和最晚创作的一幅中间相隔了17年。在四幅《呐喊》中,最出名的要属那幅现今藏在挪威奥斯陆国家美术馆的油画版本。
四幅画作构图相仿:一座桥,一条河,桥上有人,河上有船。桥上有三人,两人站在远景处,身影模糊,表情看不真切;近处的一位男子,双目睁大,嘴张开作出惊讶的表情,两手托腮,因用力过猛将那面孔也挤压得变了形状。从这幅画创作至今的一百多年间,再没有第二位画家能像蒙克那样,如此直白又传神地以画笔描摹焦虑与绝望。
《呐喊》清单
1889年可以说是蒙克的转型期,他开始改用传统的画法创作《病孩》变体画《春》,从而获得奖学金去法国留学,从师L.博纳。在法国,他在研究印象主义画法的基础上,转而对后印象主义和纳比派发生兴趣。他发现线条和色彩有强烈的表现力,试图用它们画出活生生的人们,他们的呼吸、感觉、受苦受难并彼此的相爱。
1892年,蒙克首次到达柏林,很快就在那里名声大噪。在德国,蒙克度过了疯狂而又富有创造力的几年。在那几年间,蒙克在一家名为小黑猪(the Black Piglet)的酒吧中,结交了一些志趣相投的艺术家以及作家,其中就有其密友奥古斯特•斯特林堡(August Strindberg)。也是在那段时间,蒙克创作了他生涯中主要的,也是日后最为有名的几幅作品,其中包括《吸血鬼》(The Vampire)以及《麦当娜》(Madonna)。这两幅画日后都成为了《生命的时代》(The Frieze of Life)这一史诗级半自传式组画的一部分。而最初版本的《呐喊》,即1893年版《呐喊》,也是此系列22幅组画中的其中一幅。
呐喊,油画现收藏地:挪威奥斯陆国家美术馆收藏创作时间:1893年
1893年版《呐喊》现藏于奥斯陆国家美术馆中,也是《呐喊》系列中最广为熟知的版本。专家从画布背面的手绘草稿中得出结论:该画应该是《呐喊》系列作品中创作时间最早的。创作之初,蒙克饱受精神折磨,尽管史学家们并不同意这个观点。在手稿中,天空部分有一段微小的涂写:“只有疯子才能画出来。”
在这幅画上,蒙克以极度夸张的笔法,描绘了一个变了形的尖叫的人物形象,把人类极端的孤独和苦闷,以及那种在无垠宇宙面前的恐惧之情,表现得淋漓尽致。该幅《呐喊》是这套组画中最为强烈和最富刺激性的一幅。蒙克所用的色彩与自然保持着一定程度的关联。虽然蓝色的水、棕色的地、绿色的树以及红色的天,都被夸张得富于表现性,但并没有失去其色彩大致的真实性。全画的色彩是郁闷的:浓重的血红色悬浮在地平线上方,给人以不祥的预感。它与海面阴暗处的紫色相冲突;这一紫色因伸向远处而愈益显得阴沉。同样的紫色,重复出现在孤独者的衣服上。而他的手和头部,则留在了苍白、惨淡的棕灰色中。
在1893年第一版《呐喊》诞生之前,蒙克在1892年创作了《呐喊》的前身——《日落下的黯然:绝望》(Scream called Sick Mood at Sunset, Despair)。该画的构成与《呐喊》极为相似,无论是画中血色的天空、蓝绿色的湖泊及风景,还是桥上的三人。尽管该画在那个时代已经算是比较创新,然而相比较而言,该画在画风上还是不如《呐喊》一般颠覆传统。
日落下的黯然:绝望现收藏地:斯德哥尔摩提尔斯卡画廊创作时间:1892年
呐喊,蜡笔现收藏地:挪威蒙克美术馆创作时间:1893年
在该版本发现后引起了巨大的争议:1893年,究竟哪一个才是《呐喊》的第一个版本。艺术史学家们认为,这个版本的完整度不如其他三个版本,并指出该画有更严重的褪色现象,认为这是蒙克为前面那个版本所做的底稿。
呐喊,彩粉现收藏地:里昂•布莱克收藏(私人)创作时间:1895年
1895年版本的《呐喊》为粉彩木板画,画中背景两人其中一人向外望向市景。同时,该画也是四幅《呐喊》中唯一一幅仍被私人所拥有的《呐喊》。2012年,该版《呐喊》由挪威商人彼得-奥尔森委托纽约苏富比进行拍卖。仅仅12分钟的投标过后,便拍出了接近1.2亿美元的高价,一举创下了艺术品拍卖中最贵艺术品的记录。该画的买家为美国资本家里昂•布莱克(Leon Black)。
纽约苏富比的新闻发言人达雷尔•洛查(Darrell Rocha)曾说:“在这4个版本中,‘奥尔森收藏’中的1895年版《呐喊》有最丰富的色彩,而且是唯一留有原配画框的一件,画框由蒙克手绘油漆,背面题有蒙克在1892年写的一首诗,被认为是这幅画创作灵感的阐释。这个版本还有一个特别之处:背景中那两个人像,其中有一人俯身在栏杆上面向远处的城市风景,这和其他三个版本的形态都不一样”。
呐喊,版画现收藏地:挪威蒙克美术馆创作时间:1895年
同在1895年,蒙克以1893年原版为标准,印制了45张石版画《呐喊》,黑白色调,据说45张中他曾选择少数几张亲自上色。
呐喊,蛋彩现收藏地:挪威蒙克美术馆创作时间:1910年
1910年,蒙克结束了他在巴黎和柏林的多年游历,返回到出生地奥斯陆定居,并创作了蛋彩画版本的《呐喊》。此时蒙克的心境已经发生了很大的变化,他的焦虑变得更深,1908年时他便开始在丹尼尔•贾可布逊博士的诊所开始住院接受治疗。
一些艺术史学家认为,在卖掉1893年那个《呐喊》版本之后,蒙克创作了这个复制画,应该说这是四幅中最“可怖”的一幅,眼睛空洞成窟窿,人脸涂了更多绿色,身体好像幽灵。有“呐喊迷”认为,这幅画中的形象仿佛是恶魔一样。
趣味解说
长期以来,艺术史家和爱好者们一直把画面背景中暴风雨般的天气,理解为一种恐惧的存在主义象征,代表着画中肤色苍白的光头男人内心的经历。然而,在4月25日举办于维也纳的欧洲地理科学联盟大会上,奥斯陆大学教授海伦尼•莫瑞(Helene Muri)指出,或许蒙克在画中表现的根本不是什么撕心裂肺的痛苦,而是一种绚烂的云层现象。
“珠母云”(nacreous clouds,也称贝母云),这种云彩只出现在日落时或黄昏后,呈现为稀薄的、蠕动的、色彩鲜明的云浪状。“它们的色彩很容易辨识,”莫瑞解释道,“它们的光彩来自于小冰晶对太阳光的散射、衍射以及内部折射。”
▲2016年2月2日,英格兰索特伯恩(Saltburn)海边悬崖上升起的珠母云
莫瑞教授接受《每日电讯报》采访时说:“我们能肯定的是,19世纪末期的奥斯陆,确实出现过贝母云。”尽管她已经在奥斯陆居住了25年,但她也只亲眼看到过一次贝母云。研究者们想象,假如蒙克在某一个意想不到的晚上,目睹了这样深红的奇景,他的着迷就不难理解了,更何况他是一个艺术家。不管蒙克是被自然景象启发,还是被内心苦痛触动——或许二者皆有——我们可能永远都不会知道真相了。然而,每次提出新的《呐喊》假说总是有趣的,尤其这一回奇异又怪诞的“呐喊云”假说,更是让人兴味盎然。
如今的《呐喊》已成为现代人表达苦闷精神的象征,其图式通过版画复制和印刷品所达到的传播幅度在艺术史上也几乎可以和《蒙娜丽莎》相比。
蒙克估计没有预想到,他的这一形象创造会成为如今大众文化的经典符号,受到无数”呐喊迷“的追捧,在1961年,《呐喊》成为《时代》杂志封面,该期的专题是“内疚和焦虑”;《小鬼当家》中麦考利•卡尔金“惊声尖叫”;《辛普森一家》中荷马•辛普森也学此模样扮演受折磨的北欧灵魂,《呐喊》甚至成为了后世艺术家创作的源泉,并且涌现出各种版本“呐喊” 致敬爱德华•蒙克。
▲辛普森版本的《呐喊》
▲安迪•沃霍尔《呐喊》
在2014年的弗里兹绘画大师作品展上,Skarstedt画廊以约550万美元的价格售出一幅安迪•沃霍尔于1984年创作的蒙克《呐喊》混合版。
▲弗朗西斯•培根《尖叫的教皇》
弗兰西斯•培根就曾表明自己对于蒙克的推崇,《尖叫的教皇》系列作品就是受到《呐喊》的启发。
▲艾里希•黑克尔《呐喊》
德国艺术家艾里希•黑克尔创作于1917年的一幅木版画:一个男子捂着太阳穴站在一片似乎要爆裂成光束的荒地里。这显然是在对蒙克1895年创作的《呐喊》黑白平版印刷画致敬。
由于《呐喊》系列实在太著名,曾经两次遭到偷盗者的光顾。1994年,两名窃贼潜入挪威国家画廊偷走了1893年版的《呐喊》,1894年被完好地追回。2004年,蒙面持枪歹徒从奥斯陆的蒙克博物馆抢走了1910年版的《呐喊》,两年后被追回。
附蒙克创作阶段表
1880年——开始下决心画画,考进奥斯陆皇家艺术和设计学院,师从雕刻家朱利厄斯•米德尔顿(JuliusMiddelthun),以及自然主义画家克里斯蒂安•克罗格(ChristianKrohg)。
1885年——前往巴黎,风格历经印象派、后期印象派和新艺术造型。尽管风格上是以后期印象派为主,但在主题上却是象征派,其绘画内容在于刻画内心世界,而不是外在现实。
1892年——参加柏林艺术家联盟在11月份举行的画展,他的绘画也成了争论的主题。
1892年至1908年——多数时间在巴黎和柏林,蒙克因铜版画、石版画和木版画的表现成名。
1908年秋——他的焦虑变得深刻,并在丹尼尔•贾可布逊博士的诊所住院接受治疗。医院里施行的休克疗法改变了他的个性。
1909年——回到家乡挪威,蒙克更多地表现出对大自然的兴趣,他的作品变得更富于色彩,减少了悲观的成分。
1937年——纳粹分子把蒙克的艺术宣布为“坠落”和“颓废”的,禁止展出。
1944年1月23日——爱德华•蒙克于奥斯陆附近的艾可利与世长辞。
蒙克是一位异常高产的画家。去世前,蒙克将自己的大量作品捐赠给挪威奥斯陆市,其中包括约1200件绘画、7500件速写和水彩、18000件版画和13件雕塑。上述提到的五件《呐喊》也都藏于挪威奥斯陆国家美术馆和蒙克美术馆中。
蒙克的每一幅画都无与伦比地传达着他对生存和死亡的强烈感受。在他的作品中,被描绘的具体对象的细节被简化,而情绪则被夸张,对象本身成为一种所要表现的情绪的载体,虽然它们依然还是具象的。那种迷途的欲望深渊和无法逃脱的死亡阴影的怪圈,生命的焦躁和无奈交织在一起。他那理想主义和非原型的主观表现,给后来的表现主义以决定性的影响。
5. 你见过哪些令人震撼的手工艺品?
非物质文化遗产~北京绢人娃娃
在古代,绢人曾是王公贵族的玩物,随着历史的变迁,已走进寻常百姓家。其制作精美,神态各异,色彩绚丽,风格高雅,被誉为“中国的芭比娃娃”。
北京绢人,又名绢塑艺术,即以铅丝为骨骼、棉花纸絮为血肉、绢纱为肌肤、真丝为秀发、彩绘丝绸为服装,塑制而成玩偶,是我国民间源远流长的手工技艺,至今已有一千三百多年的历史。
北京绢人的制作,运用了雕塑、绘画、缝纫、染织、花丝、裱糊等多种技能。
绢人虽然外观精美,但是制作工艺极为复杂,技法高难,要求收口缝制不见缝头、装饰物需使用“捻丝编花”等工艺。由于绢人的妆容服饰全由笔墨手绘,在民间素有“立体丹青”之称。
北京绢人是以金属丝为骨架,棉花、纱绢为肌肤,真丝为发,绸帛为衣,用彩绘描画五官而塑制的立体人型艺术品,采用中国特产的丝、绸、纱、绢、绫、罗等为原材料。
经过雕画、制头、制手、服装彩绘、头饰、道具等十几道工序,最后组装制作成三维立体造型,这是非常难以驾驭的技艺。
北京绢人制作的每一道工序,都需要精妙高超的技艺,每一件作品,都要求赋绢纱以生命、施丝绸以灵性。
而一个绢人作品最具魅力之处便在于人物瞬间神态的展现,无数个灵动的细节成就了传神的瞬间。
在这样一个小小的绢塑艺术支流身上,不仅体现了中国传统艺术的特点,也凝聚了中国传统塑型艺术的精华。
它即弘扬了汉民族的艺术传统,又体现了中国汉族民间工艺技艺的悠久文化,是研究中国民间工艺美术史不可或缺的重要内容。
6. 版画的起源是什么时候?
公元1700年2月,北京一所西洋式的基督教堂内挤满了前来观看“洋画”的中国人, 这所教堂是当时来自法国的耶稣会聘请的一位世俗西洋画家——切拉蒂尼来华装饰的西洋式基督教堂,切拉蒂尼用典型的巴洛克风格装饰耶稣会教堂的墙壁与天花板。
据当时人记载:
参观的中国人如何用手去摸墙, 都不能让他们相信这些柱子是被画出来的。当他们抬起头看天花板时,那些按照透视方法描绘出来的巨大空间,那些似乎在天国中漂浮的人物,令他们惊叹不已。
这位来自于法国的世俗画家带来了西方人精美的油画,让当时国人大开眼界,由此开始了清代中西绘画交流的开端。
不久之后,意大利传教士、画家马国贤在康熙四十九年抵达澳门,第二年以绘画之技召入宫中。康熙五十二年(1713年)主持雕印《御制避暑山庄三十六景诗图》铜版组画,后来他又参与过铜版《皇舆全览图》的雕印。
他把铜版画技法传授给了中国的学生,而此举对中国的绘画产生了一定的影响,后来桃花坞年画对铜版画的借鉴就是从此而来的,这反映了明清之际中西艺术交流下,西方版画艺术对中国传统版画的影响。
那么在此之前,中国传统的版画是怎么样的呢?又经历了什么样的发展进程?它西方版画的差异反映了中西方怎样的版画审美认识?
版画,顾名思义,就是由创作者使用刻刀或特制笔在硬材料上雕刻出反向图像,再将颜料涂在刻制出来的材料上,使用纸覆盖在其上,进而印制出一张完整的版画。
在我国,版画是具有悠久历史传统的。追溯木刻版画的发生史,不得不谈到中国的雕刻史。考古材料表明,我国的雕刻艺术史可以追溯到7000年前的新石器时代晚期。这段历史美术史上称之为智人时期。智人为改进生活,用坚硬的锐器雕刻木头,制作漆器,以满足实用的目的。同时结合自身体验,在石版的平面上刻凿、打击,制作岩画,从而拉开了中国雕刻艺术独立发展的序幕。内蒙古阴山、甘肃黑山等地较早的岩画,浙江河姆渡出土的新石器时代的方陶钵上的刻猪和骨刻双鸟,湖北黄石发现的商代“花土”等等,都使我们见到了我国先人较早地在平“版”上“雕刻”的情况。这些用坚硬器具在平“版”上刻制的经验,日积月累,流传下来,在促进雕刻技艺本身发展的同时,也为雕版印刷术的发明作了技术铺垫,成为版画发生学的重要组成部分。
真正版画的诞生,最早可以追溯到隋朝,当时的政治、经济相对繁荣,隋文帝大兴佛、道二教,而版画印制主要是为了传播佛教,用于印制《金刚经》,给广大信徒作宜传。它最开始相当于现在的手工印刷厂,单单起复制性作用,没有任何艺术性的创作。
其后,随着雕印技术的发展,它又以不同的形式出现,大量精致、缤纷的版画被呈现出来,并开始脱离了宗教的束缚。受当时社会文化与社会需求的影响,中国古代版画的用途主要表现在两个方面:一是用于过年、过节和宗教庆典所需的单幅画面,二是为了戏曲、小说所作的多幅插图,供受众观贯。其中还有一些画谱等,这都是中国版画所独有的。
唐代是版画艺术的初创期,主要服务于宗教。题材以佛、菩萨的形象人格为主,木刻佛画成为了这个时期中最重要的作品。它是以强调人物的形象化人格,用线描来勾画轮廓的画法,融合到人民群众中来。这样逐渐形成了一种独特的民族风格。
宋、元时代,木刻艺术进入了兴盛发展时期,这时的木刻版画已经摆脱了对宗教的依赖。手工业技术的提高,使木刻艺术得到了普及,天文地理、花鸟鱼虫,题材无所不有。此外,民间日用版画与佛教版画也有新发展。
宋代版画反映了一个真实的宋代,使我们更加深人的了解宋代社会生活。例如宋代《列女传》里面包含的人物服饰、建筑和器具都取材现实生活。《列女传》是宋代有插图书籍的经典之作,是一部介绍中国古代妇女行为的书,记载了上古至西汉约一百位左右具有通才卓识,奇节异行的女子。插图中对建筑物的形态结构进行了准确的描绘与介绍,并且在构图布局上把人物和建筑巧妙的结合。通过对宋代书籍木刻插图的研究,可以准确了解当时的人民生活风俗习惯、社会面貌和经济发展水平以及科技文化的发展水平。
宋代版画除了主要在书籍插图中有所表现,它还体现了多神信仰习俗,例如在宋代人们对“门神”的崇拜,也对版画的发展有很大影响。
元代,木刻印刷技术趋向精良,出现了简单的两版套色版画,为明代木刻艺术的新飞跃打下了坚实的基础。宋、元时期木刻是中国复制木刻发展的重要标志,并给后来的木刻以深远的影响。
清代木版艺术时期普及民间,进入普遍发展的时期,以民间木版年画为主,遍布全国各地,家家户户张贴年画,销量很大,其主要分布在开封、朱仙镇及其周边地区,这一时期的年画受到了西方油画和版画技术的影响,出现了不一样的特质,天津杨柳青、苏州桃花坞、山东潍坊等地年画也都受其影响。
明清年画用色讲究、色彩浑厚鲜艳、不易褪色、对比强烈。概括性强,以传统技法构图,有主有次,对象明显,情景人物安排巧妙,表现出匀实对称的美感,画面丰富,惟妙惟肖。木版年画是的传统民间艺术,以木刻版画为发展基础,并且也促进了木刻版画的发展与推广。
清代末年由于西方石版、铜板等铸版艺术的引进,使得雕版艺术经不住重重打击,逐渐衰落,这种状况一直持续到20世纪30年代。
新文化运动崛起后,以鲁迅为代表的新文化倡导者成立了木刻讲习会,由此兴起了轰轰烈烈的新兴木刻版画运动,木刻版画迎来了第二个春天。
这一时期的版画与时事相结合,为了抵抗西方文化的“围剿“和国内的文化压制,当时一大批艺术家在鲁迅的号召下制作了大量版画,产生大量具有思想教育性质的版画作品。
如野夫的连环木刻《水灾》和《卖盐》,新波的连环木刻《平凡的故事》,温涛《她的觉醒》等等不胜枚举的优秀作品。
相比之下,西方的版画发展要晚得多,但是他们后来居上,发展出了完全不同于中国的版画风格。
西方印刷术的出现比中国晚两个多世纪,中国的造纸和印刷术传人西方后,欧洲的版画才得以萌芽和发展。他们早期的木版画也是为了满足宗教的需要。《普洛塔木板画》和《圣克里斯多夫》是欧洲现存最早的木刻版画。其中《普洛塔木板画》是胡桃木雕版残片,刻画的是圣经中基督受刑的故事。而《圣克里斯多夫》画面上刻有明确的日期,采用油彩印刷,人物的造型朴拙,但结构严谨准确。
木版画在中世纪时期的欧洲主要用于宗教书籍的插图,例如纸牌木刻画、宗教木刻画等。总而言之,这时期木刻行业还未形成规模,各自分散雕刻,技艺也不高,手法也不熟练。直到十四世纪,欧洲西部与北部各个国家才相继有了自己的造纸坊。价格低廉的纸张,加上当时的欧洲已经具备的雕刻技术,印刷所必要的物质条件,这时已经完全具备了。
伴随着欧洲的文艺复兴,版画创作才进入一个繁荣发展的阶段,大量的木版画作品开始出现。以丢勒的作品最突出,以圣经为题材,画面采用线条来表现,人物的结构形体走向用交叉线排列来塑造,这是其最大的特点。人物结构明确,画面精细,虽然没有采用普遍的黑自对比,但艺术表现力却极其强烈。
随着欧洲工业革命的开始,欧洲社会开始进入资本主义时代,工业发展迅速,科技实力不断进步,版画的媒材运用也不断的丰富起来,以最早的木版为基础,进而发展出了铜版和石板等印刷方法,欧洲的版画开始进入繁荣时代。
德国北部以及尼德兰地区出现了铜版画,加强了版画的精细和优美的艺术表现力。之后铜版画的一项重要技术——腐蚀版画产生了,大量的画家参与到版画制作中来,艺术家的参与使其艺术性和原创性大大增强,扩大了版画的高端市场。
十七世纪在人物画风行的背景刺激下,美柔汀技术产生了,使得肖像版画达到了一个令人惊叹的高度。十八世纪雕刀木口木刻技术、石版印刷术相继诞生,石版画、铜蚀版画、雕刀木刻在十九世纪达到了全盛时期。
19世纪的照相技术的发展让原本以记录真实现状的绘画、版画处于尴尬的境地,版画艺术家们必须在这个情况下,为版画找到新的艺术需要。而此时西方绘画在法国启蒙主义思想的引导下,经历了新古典主义、浪漫主义、现实主义、印象主义等时期。
在这个不断变革的艺术发展中,版画艺术也相继革新,这个时期铜版画的代表画家有戈雅、米勒、马奈、德加、雷诺阿、惠斯勒等。他们运用当时先进的科学技术手段改进版画,表现艺术家自我精神世界,不断探求新的艺术境界。
比如,当时戈雅的铜版画里充满了各种各样想象出的元素,画面有很浓重的感情色彩,为现代版画的发展奠定了坚实的基础。
20世纪美术运动在欧洲和美国陆续繁杂的展开,他们推翻了传统艺术的观念和思维形式,提倡反唯美的表现性,这个时期的代表画派:野善派、表现主义、立体主义、达达派、未来主义、超现实主义、抽象主义等,在他们的作品中表现性、象征性及心理状态的抒发尤为突出。版画也很快投入到这个生龙活虎的艺术运动中。1915年,第一张丝网印刷感光版画在美国诞生,这使丝网印刷技术又向前迈进了一大步。丝网版画在商业广告宣传上的应用,使其在印刷技术上的优势得以充分展现。
到20世纪60年代美国艺术家安迪沃霍尔的个人丝网版画作品成功展出后,丝网版画创作被推向一个新的阶段。世界各地的艺术家纷纷采用丝网印刷创作作品,融入新兴艺术观念的视觉作品不断涌现,这也开拓了绘画艺术的又一个景观。
通过梳理中国和西方的版画史,我们发现,中国的版画艺术,一直是致力于实用和现实的艺术,其精神的寄托是本土文化的表现。中国版画艺术效果的达成需要意境的烘托,艺术家采用自由而富有变化的刀法,融人了民族文化的生机。中国传统版画作品中力与美,曲折起伏中刚柔相济,块面、色彩等等组成层次丰富,都是中国版画中富有艺术魅力的表现。
中国版画美学所表述的是天人合一,自然、朴实、返璞归真。另外就是中国人受禅学思想影响,在形和意之间的关系比较模糊。一开始虽然是从写实、描绘人物出发,但渐渐地融进了中国人独特的思维方式,天人合一的价值观念、美学观念。进而从各个方面表达了中国版画这一独特的哲学观念和思维观念。
相较之下,西方版画早期以超级写实为主要目的,他们的版画创作多具有相片记录真实的功能,因此在风格上它们多以写实为主,对于画面的构图要求严谨,整体线条要求一丝不苟,到了后来,由于照相机取代了版画,版画艺术家们才不得不面对现实,进行革新,将版画艺术从传统的重写实到注重情感精神性的主观抒发。
中国版画,是感性和理性相结合的作品,而西方版画是经历了由完全客观理性到完全主观情感的转变,它们把“原有性”的东西彻底丢掉,艺术家获得了表现意识的自由完全是对精神世界的重新构建。
西方的版画家们,通过具象或是抽象来展现艺术家内心的情感。强调的精神性,使人们产生情感共鸣,以达到思想启示。这反映了西方绘画哲学中从理性极端向主观极端的转变。
但是,中西方的版画艺术也有相似之处,它们都致力于神灵信仰、日常商业实用,是立足于实用之上的艺术创作,它们是真正“生活”的艺术,来源于生活、作用于生活。当今中国版画创作也应该从中西方版画传统中汲取灵感,纠正当前沉溺于表现抽象虚幻的艺术风格,创作出更多为大众所喜闻乐见的版画艺术让版画焕发出新的生机。
7. 画了画了stone能出国吗?
应该可以。
符合规定的情况下,可以带自己的画作出国。带自己的画作出国是否能过安检,这取决于几个因素:
1. 画作材料是否符合安检规定:如果画作涉及金属或其他安检禁止品,可能难以通过安检。一般情况下,纸本画作、木板画等较容易过关。
2. 画作尺寸是否超标:每个国家的安检机构对行李物品尺寸都有规定,如果画作超过尺寸限制,需要作为托运行李运输并支付额外费用,才有可能通过安检。
3. 所到国家对文物进口是否有特殊规定:部分国家对文物、艺术品进口有额外要求,如提供文物产权证明或其他许可证,如果无法提供,画作可能无法过关。
4. 安检人员的主观判断:即便画作材料和尺寸均符合规定,安检人员出于各种主观判断,也有可能要求打开包裹进一步检查,甚至拒绝放行。
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1. 木板画,蒙克的呐喊属于哪一类艺术风格?
《呐喊》是挪威画家爱德华·蒙克1893年创作的绘画作品,共有四个版本,分别是:创作于1893年的第一个版本,其作品作为蛋清木板画;绘于1893年的第二个版本,该画作为彩蜡木板画;第三个版本,创作于1895年,为彩粉木板画;第四个版本为蛋清木板油画。
2. 西方哪些艺术画最有名?
西方哪些艺术画最有名?很高兴来回答这个问题。
西方艺术画从文艺复兴至今,大师级的艺术家几百位,能够称得上传世名作的也不下几千幅,如果在这当中说哪些“最”有名,还真就不太好下结论。
首先说,自文艺复兴开始,西方艺术画发展创立了相当多的画派,像什么哥特式、意大利风格主义、巴洛克绘画艺术、法国古典主义、洛可可艺术、法国新古典主义、法国浪漫派、英国画派、英国浪漫派、拉斐尔前派、法国现实主义、印象派、纳比派、野兽派、表现主义、意大利形而上学流派、立体派、抽象主义、超现实主义等等(知识量有限,还有很多)。在众多流派中,每个流派都有自己的代表人物,每个代表人物也都有自己的代表作品,不同流派间毕竟风格不同,理念不同,包括创作者的造诣以及画作对于后世的影响力,这些很难去相互衡量和对比。
在我所知的范围内,自己有很多敬为神作的大师作品,下面就展现出来,大家来品评一下,各抒己见,就像上面的拉斐尔的《雅典学院》里所表现得那样。因为在每个人心目中可能都会有自己认为的最有名的西方艺术画作,那么看看是否也在其中?
(由于本人列举的作品中没有“最”的概念,以下画作排名不分先后)
意大利画家,文艺复兴三杰之一的莱昂纳多·达·芬奇的旷世名作《蒙娜丽莎》。传奇的经历,神秘的微笑,迷雾重重,让世人为之神迷。传说,真品没在卢浮宫。荷兰后印象派画家文森特·威廉·梵高的《向日葵》。有人曾经说过:艺术史上,没有任何东西,能和梵高的鲜黄的向日葵相提并论。印象派代表人物和创始人之一,克劳德·莫奈的《日出·印象》。有了这幅画才有了印象派。现代艺术的创始人,西方现代派绘画的主要代表,巴勃罗·毕加索的《格尔尼卡》。二战时期反对战争,呼唤和平的大师巅峰之作。意大利著名画家,也是“文艺复兴后三杰”中最年轻的一位,拉斐尔·桑西的《西斯廷圣母》。它是拉斐尔"圣母像"中的代表作,它以甜美、悠然的抒情风格而闻名遐迩。荷兰优秀的风俗画家,被看作“荷兰小画派”的代表画家约翰内斯·维米尔的《戴珍珠耳环的少女》。世人都称:唯《蒙娜丽莎》的微笑可与之媲美。达芬奇的画作《救世主》。允许一下我的财迷思想,把它放上来,最大的原因是它在佳士得拍卖以4.5亿美刀天价成交。奥地利知名象征主义画家,创办了维也纳分离派的古斯塔夫·克林姆特的《吻》。新艺术运动划时代的作品,大大的有名!俄国巡回展览画派重要代表人物,伊里亚·叶菲莫维奇·列宾的《伏尔加河上的纤夫》,大神级的人物。小编我心目中有名的西方艺术画远不止这些,米开朗基罗、提香、修拉、鲁本斯、高更、伦勃朗等等艺术大师的名作简直太多了,如果说西方有哪些艺术名画,回答起来可能会宽泛些。不管怎样,这些名画里面有你心目中的那幅“最”有名的吗?可以留言告诉我。
共同的视角,共通的视界,我是魔韵,欢迎同道互动交流。
3. 是不是该停业一段时间?
谢邀。
虽然你配了一张水果店的图片,但是不能确定你具体做的是什么生意。
有句话叫做跳槽穷半年,改行穷三年。
现在的经济状况,很难说你停下就能找到更好的生意。更多的情况是,你停下了生意,但是也没有更好的生意,再想捡起这个生意的时候,发现门槛已经更高了,而原来的客户也没有了。
如果你现在的生意做的时间比较久了,已经有了一定的忠实客户。那么不妨多想想营销策略,看看如何提升销售额,提升服务,以此增加利润。
现在一般的商家都已经开始有意识的去建立微信群,以此维护客户,时不时的做做活动,放出一些优惠,建立更稳固的客户关系。
具体的商品也可以做一些调整,就跟淘宝店一样,有吸引客户的,也就是引流的商品,也有利润高的产品,还有体现自己形象的高端商品。以此搭配,提升销量。
现有的各项成本都罗列出来,看看哪些方面还可以缩减,尽量降低成本。
很多时候,熬到最后,也许就是胜利的曙光。
但是也要看到,也许熬到最后,还是失败。所以一个事情要综合看待,不能死心眼。
如果你有更好的项目或者产品,也可以投入时间和精力去运作,看看前景如何。
这样在旧的项目还在运转的时候,新项目逐渐培育,最终取代旧的项目,也是不错的办法。
精力上如何兼顾和分配就看你自己的安排了。如果新项目盈利良好,前景光明。自然果断放弃旧项目,全部精力投入新项目中去。
微信公众号:jiabailidiancom 或输入 加百利点靠木 ,财富之道,开源节流,敬请关注。4. 你如何评价挪威画家蒙克的油画风格?
一般来说,每个艺术家都会有一组或是几组具有代表性的系列作品。由于系列作品创作的延续性,我们可以很好地了解到艺术家在不同创作阶段创作思想的变化,同时也能从侧面反映出艺术家在该创作阶段中生活状态的改变。这就是“系说艺术”版块创建的初衷。
今天“系说艺术”版块将为大家带来爱德华•蒙克最著名的作品《呐喊》系列,带大家回到 1893年-1910年——蒙克的创作盛世时期。
1893年到1910年间,从蜡笔到粉彩再到蛋彩画,蒙克共创作了四个版本的《呐喊》,最早和最晚创作的一幅中间相隔了17年。在四幅《呐喊》中,最出名的要属那幅现今藏在挪威奥斯陆国家美术馆的油画版本。
四幅画作构图相仿:一座桥,一条河,桥上有人,河上有船。桥上有三人,两人站在远景处,身影模糊,表情看不真切;近处的一位男子,双目睁大,嘴张开作出惊讶的表情,两手托腮,因用力过猛将那面孔也挤压得变了形状。从这幅画创作至今的一百多年间,再没有第二位画家能像蒙克那样,如此直白又传神地以画笔描摹焦虑与绝望。
《呐喊》清单
1889年可以说是蒙克的转型期,他开始改用传统的画法创作《病孩》变体画《春》,从而获得奖学金去法国留学,从师L.博纳。在法国,他在研究印象主义画法的基础上,转而对后印象主义和纳比派发生兴趣。他发现线条和色彩有强烈的表现力,试图用它们画出活生生的人们,他们的呼吸、感觉、受苦受难并彼此的相爱。
1892年,蒙克首次到达柏林,很快就在那里名声大噪。在德国,蒙克度过了疯狂而又富有创造力的几年。在那几年间,蒙克在一家名为小黑猪(the Black Piglet)的酒吧中,结交了一些志趣相投的艺术家以及作家,其中就有其密友奥古斯特•斯特林堡(August Strindberg)。也是在那段时间,蒙克创作了他生涯中主要的,也是日后最为有名的几幅作品,其中包括《吸血鬼》(The Vampire)以及《麦当娜》(Madonna)。这两幅画日后都成为了《生命的时代》(The Frieze of Life)这一史诗级半自传式组画的一部分。而最初版本的《呐喊》,即1893年版《呐喊》,也是此系列22幅组画中的其中一幅。
呐喊,油画现收藏地:挪威奥斯陆国家美术馆收藏创作时间:1893年
1893年版《呐喊》现藏于奥斯陆国家美术馆中,也是《呐喊》系列中最广为熟知的版本。专家从画布背面的手绘草稿中得出结论:该画应该是《呐喊》系列作品中创作时间最早的。创作之初,蒙克饱受精神折磨,尽管史学家们并不同意这个观点。在手稿中,天空部分有一段微小的涂写:“只有疯子才能画出来。”
在这幅画上,蒙克以极度夸张的笔法,描绘了一个变了形的尖叫的人物形象,把人类极端的孤独和苦闷,以及那种在无垠宇宙面前的恐惧之情,表现得淋漓尽致。该幅《呐喊》是这套组画中最为强烈和最富刺激性的一幅。蒙克所用的色彩与自然保持着一定程度的关联。虽然蓝色的水、棕色的地、绿色的树以及红色的天,都被夸张得富于表现性,但并没有失去其色彩大致的真实性。全画的色彩是郁闷的:浓重的血红色悬浮在地平线上方,给人以不祥的预感。它与海面阴暗处的紫色相冲突;这一紫色因伸向远处而愈益显得阴沉。同样的紫色,重复出现在孤独者的衣服上。而他的手和头部,则留在了苍白、惨淡的棕灰色中。
在1893年第一版《呐喊》诞生之前,蒙克在1892年创作了《呐喊》的前身——《日落下的黯然:绝望》(Scream called Sick Mood at Sunset, Despair)。该画的构成与《呐喊》极为相似,无论是画中血色的天空、蓝绿色的湖泊及风景,还是桥上的三人。尽管该画在那个时代已经算是比较创新,然而相比较而言,该画在画风上还是不如《呐喊》一般颠覆传统。
日落下的黯然:绝望现收藏地:斯德哥尔摩提尔斯卡画廊创作时间:1892年
呐喊,蜡笔现收藏地:挪威蒙克美术馆创作时间:1893年
在该版本发现后引起了巨大的争议:1893年,究竟哪一个才是《呐喊》的第一个版本。艺术史学家们认为,这个版本的完整度不如其他三个版本,并指出该画有更严重的褪色现象,认为这是蒙克为前面那个版本所做的底稿。
呐喊,彩粉现收藏地:里昂•布莱克收藏(私人)创作时间:1895年
1895年版本的《呐喊》为粉彩木板画,画中背景两人其中一人向外望向市景。同时,该画也是四幅《呐喊》中唯一一幅仍被私人所拥有的《呐喊》。2012年,该版《呐喊》由挪威商人彼得-奥尔森委托纽约苏富比进行拍卖。仅仅12分钟的投标过后,便拍出了接近1.2亿美元的高价,一举创下了艺术品拍卖中最贵艺术品的记录。该画的买家为美国资本家里昂•布莱克(Leon Black)。
纽约苏富比的新闻发言人达雷尔•洛查(Darrell Rocha)曾说:“在这4个版本中,‘奥尔森收藏’中的1895年版《呐喊》有最丰富的色彩,而且是唯一留有原配画框的一件,画框由蒙克手绘油漆,背面题有蒙克在1892年写的一首诗,被认为是这幅画创作灵感的阐释。这个版本还有一个特别之处:背景中那两个人像,其中有一人俯身在栏杆上面向远处的城市风景,这和其他三个版本的形态都不一样”。
呐喊,版画现收藏地:挪威蒙克美术馆创作时间:1895年
同在1895年,蒙克以1893年原版为标准,印制了45张石版画《呐喊》,黑白色调,据说45张中他曾选择少数几张亲自上色。
呐喊,蛋彩现收藏地:挪威蒙克美术馆创作时间:1910年
1910年,蒙克结束了他在巴黎和柏林的多年游历,返回到出生地奥斯陆定居,并创作了蛋彩画版本的《呐喊》。此时蒙克的心境已经发生了很大的变化,他的焦虑变得更深,1908年时他便开始在丹尼尔•贾可布逊博士的诊所开始住院接受治疗。
一些艺术史学家认为,在卖掉1893年那个《呐喊》版本之后,蒙克创作了这个复制画,应该说这是四幅中最“可怖”的一幅,眼睛空洞成窟窿,人脸涂了更多绿色,身体好像幽灵。有“呐喊迷”认为,这幅画中的形象仿佛是恶魔一样。
趣味解说
长期以来,艺术史家和爱好者们一直把画面背景中暴风雨般的天气,理解为一种恐惧的存在主义象征,代表着画中肤色苍白的光头男人内心的经历。然而,在4月25日举办于维也纳的欧洲地理科学联盟大会上,奥斯陆大学教授海伦尼•莫瑞(Helene Muri)指出,或许蒙克在画中表现的根本不是什么撕心裂肺的痛苦,而是一种绚烂的云层现象。
“珠母云”(nacreous clouds,也称贝母云),这种云彩只出现在日落时或黄昏后,呈现为稀薄的、蠕动的、色彩鲜明的云浪状。“它们的色彩很容易辨识,”莫瑞解释道,“它们的光彩来自于小冰晶对太阳光的散射、衍射以及内部折射。”
▲2016年2月2日,英格兰索特伯恩(Saltburn)海边悬崖上升起的珠母云
莫瑞教授接受《每日电讯报》采访时说:“我们能肯定的是,19世纪末期的奥斯陆,确实出现过贝母云。”尽管她已经在奥斯陆居住了25年,但她也只亲眼看到过一次贝母云。研究者们想象,假如蒙克在某一个意想不到的晚上,目睹了这样深红的奇景,他的着迷就不难理解了,更何况他是一个艺术家。不管蒙克是被自然景象启发,还是被内心苦痛触动——或许二者皆有——我们可能永远都不会知道真相了。然而,每次提出新的《呐喊》假说总是有趣的,尤其这一回奇异又怪诞的“呐喊云”假说,更是让人兴味盎然。
如今的《呐喊》已成为现代人表达苦闷精神的象征,其图式通过版画复制和印刷品所达到的传播幅度在艺术史上也几乎可以和《蒙娜丽莎》相比。
蒙克估计没有预想到,他的这一形象创造会成为如今大众文化的经典符号,受到无数”呐喊迷“的追捧,在1961年,《呐喊》成为《时代》杂志封面,该期的专题是“内疚和焦虑”;《小鬼当家》中麦考利•卡尔金“惊声尖叫”;《辛普森一家》中荷马•辛普森也学此模样扮演受折磨的北欧灵魂,《呐喊》甚至成为了后世艺术家创作的源泉,并且涌现出各种版本“呐喊” 致敬爱德华•蒙克。
▲辛普森版本的《呐喊》
▲安迪•沃霍尔《呐喊》
在2014年的弗里兹绘画大师作品展上,Skarstedt画廊以约550万美元的价格售出一幅安迪•沃霍尔于1984年创作的蒙克《呐喊》混合版。
▲弗朗西斯•培根《尖叫的教皇》
弗兰西斯•培根就曾表明自己对于蒙克的推崇,《尖叫的教皇》系列作品就是受到《呐喊》的启发。
▲艾里希•黑克尔《呐喊》
德国艺术家艾里希•黑克尔创作于1917年的一幅木版画:一个男子捂着太阳穴站在一片似乎要爆裂成光束的荒地里。这显然是在对蒙克1895年创作的《呐喊》黑白平版印刷画致敬。
由于《呐喊》系列实在太著名,曾经两次遭到偷盗者的光顾。1994年,两名窃贼潜入挪威国家画廊偷走了1893年版的《呐喊》,1894年被完好地追回。2004年,蒙面持枪歹徒从奥斯陆的蒙克博物馆抢走了1910年版的《呐喊》,两年后被追回。
附蒙克创作阶段表
1880年——开始下决心画画,考进奥斯陆皇家艺术和设计学院,师从雕刻家朱利厄斯•米德尔顿(JuliusMiddelthun),以及自然主义画家克里斯蒂安•克罗格(ChristianKrohg)。
1885年——前往巴黎,风格历经印象派、后期印象派和新艺术造型。尽管风格上是以后期印象派为主,但在主题上却是象征派,其绘画内容在于刻画内心世界,而不是外在现实。
1892年——参加柏林艺术家联盟在11月份举行的画展,他的绘画也成了争论的主题。
1892年至1908年——多数时间在巴黎和柏林,蒙克因铜版画、石版画和木版画的表现成名。
1908年秋——他的焦虑变得深刻,并在丹尼尔•贾可布逊博士的诊所住院接受治疗。医院里施行的休克疗法改变了他的个性。
1909年——回到家乡挪威,蒙克更多地表现出对大自然的兴趣,他的作品变得更富于色彩,减少了悲观的成分。
1937年——纳粹分子把蒙克的艺术宣布为“坠落”和“颓废”的,禁止展出。
1944年1月23日——爱德华•蒙克于奥斯陆附近的艾可利与世长辞。
蒙克是一位异常高产的画家。去世前,蒙克将自己的大量作品捐赠给挪威奥斯陆市,其中包括约1200件绘画、7500件速写和水彩、18000件版画和13件雕塑。上述提到的五件《呐喊》也都藏于挪威奥斯陆国家美术馆和蒙克美术馆中。
蒙克的每一幅画都无与伦比地传达着他对生存和死亡的强烈感受。在他的作品中,被描绘的具体对象的细节被简化,而情绪则被夸张,对象本身成为一种所要表现的情绪的载体,虽然它们依然还是具象的。那种迷途的欲望深渊和无法逃脱的死亡阴影的怪圈,生命的焦躁和无奈交织在一起。他那理想主义和非原型的主观表现,给后来的表现主义以决定性的影响。
5. 你见过哪些令人震撼的手工艺品?
非物质文化遗产~北京绢人娃娃
在古代,绢人曾是王公贵族的玩物,随着历史的变迁,已走进寻常百姓家。其制作精美,神态各异,色彩绚丽,风格高雅,被誉为“中国的芭比娃娃”。
北京绢人,又名绢塑艺术,即以铅丝为骨骼、棉花纸絮为血肉、绢纱为肌肤、真丝为秀发、彩绘丝绸为服装,塑制而成玩偶,是我国民间源远流长的手工技艺,至今已有一千三百多年的历史。
北京绢人的制作,运用了雕塑、绘画、缝纫、染织、花丝、裱糊等多种技能。
绢人虽然外观精美,但是制作工艺极为复杂,技法高难,要求收口缝制不见缝头、装饰物需使用“捻丝编花”等工艺。由于绢人的妆容服饰全由笔墨手绘,在民间素有“立体丹青”之称。
北京绢人是以金属丝为骨架,棉花、纱绢为肌肤,真丝为发,绸帛为衣,用彩绘描画五官而塑制的立体人型艺术品,采用中国特产的丝、绸、纱、绢、绫、罗等为原材料。
经过雕画、制头、制手、服装彩绘、头饰、道具等十几道工序,最后组装制作成三维立体造型,这是非常难以驾驭的技艺。
北京绢人制作的每一道工序,都需要精妙高超的技艺,每一件作品,都要求赋绢纱以生命、施丝绸以灵性。
而一个绢人作品最具魅力之处便在于人物瞬间神态的展现,无数个灵动的细节成就了传神的瞬间。
在这样一个小小的绢塑艺术支流身上,不仅体现了中国传统艺术的特点,也凝聚了中国传统塑型艺术的精华。
它即弘扬了汉民族的艺术传统,又体现了中国汉族民间工艺技艺的悠久文化,是研究中国民间工艺美术史不可或缺的重要内容。
6. 版画的起源是什么时候?
公元1700年2月,北京一所西洋式的基督教堂内挤满了前来观看“洋画”的中国人, 这所教堂是当时来自法国的耶稣会聘请的一位世俗西洋画家——切拉蒂尼来华装饰的西洋式基督教堂,切拉蒂尼用典型的巴洛克风格装饰耶稣会教堂的墙壁与天花板。
据当时人记载:
参观的中国人如何用手去摸墙, 都不能让他们相信这些柱子是被画出来的。当他们抬起头看天花板时,那些按照透视方法描绘出来的巨大空间,那些似乎在天国中漂浮的人物,令他们惊叹不已。
这位来自于法国的世俗画家带来了西方人精美的油画,让当时国人大开眼界,由此开始了清代中西绘画交流的开端。
不久之后,意大利传教士、画家马国贤在康熙四十九年抵达澳门,第二年以绘画之技召入宫中。康熙五十二年(1713年)主持雕印《御制避暑山庄三十六景诗图》铜版组画,后来他又参与过铜版《皇舆全览图》的雕印。
他把铜版画技法传授给了中国的学生,而此举对中国的绘画产生了一定的影响,后来桃花坞年画对铜版画的借鉴就是从此而来的,这反映了明清之际中西艺术交流下,西方版画艺术对中国传统版画的影响。
那么在此之前,中国传统的版画是怎么样的呢?又经历了什么样的发展进程?它西方版画的差异反映了中西方怎样的版画审美认识?
版画,顾名思义,就是由创作者使用刻刀或特制笔在硬材料上雕刻出反向图像,再将颜料涂在刻制出来的材料上,使用纸覆盖在其上,进而印制出一张完整的版画。
在我国,版画是具有悠久历史传统的。追溯木刻版画的发生史,不得不谈到中国的雕刻史。考古材料表明,我国的雕刻艺术史可以追溯到7000年前的新石器时代晚期。这段历史美术史上称之为智人时期。智人为改进生活,用坚硬的锐器雕刻木头,制作漆器,以满足实用的目的。同时结合自身体验,在石版的平面上刻凿、打击,制作岩画,从而拉开了中国雕刻艺术独立发展的序幕。内蒙古阴山、甘肃黑山等地较早的岩画,浙江河姆渡出土的新石器时代的方陶钵上的刻猪和骨刻双鸟,湖北黄石发现的商代“花土”等等,都使我们见到了我国先人较早地在平“版”上“雕刻”的情况。这些用坚硬器具在平“版”上刻制的经验,日积月累,流传下来,在促进雕刻技艺本身发展的同时,也为雕版印刷术的发明作了技术铺垫,成为版画发生学的重要组成部分。
真正版画的诞生,最早可以追溯到隋朝,当时的政治、经济相对繁荣,隋文帝大兴佛、道二教,而版画印制主要是为了传播佛教,用于印制《金刚经》,给广大信徒作宜传。它最开始相当于现在的手工印刷厂,单单起复制性作用,没有任何艺术性的创作。
其后,随着雕印技术的发展,它又以不同的形式出现,大量精致、缤纷的版画被呈现出来,并开始脱离了宗教的束缚。受当时社会文化与社会需求的影响,中国古代版画的用途主要表现在两个方面:一是用于过年、过节和宗教庆典所需的单幅画面,二是为了戏曲、小说所作的多幅插图,供受众观贯。其中还有一些画谱等,这都是中国版画所独有的。
唐代是版画艺术的初创期,主要服务于宗教。题材以佛、菩萨的形象人格为主,木刻佛画成为了这个时期中最重要的作品。它是以强调人物的形象化人格,用线描来勾画轮廓的画法,融合到人民群众中来。这样逐渐形成了一种独特的民族风格。
宋、元时代,木刻艺术进入了兴盛发展时期,这时的木刻版画已经摆脱了对宗教的依赖。手工业技术的提高,使木刻艺术得到了普及,天文地理、花鸟鱼虫,题材无所不有。此外,民间日用版画与佛教版画也有新发展。
宋代版画反映了一个真实的宋代,使我们更加深人的了解宋代社会生活。例如宋代《列女传》里面包含的人物服饰、建筑和器具都取材现实生活。《列女传》是宋代有插图书籍的经典之作,是一部介绍中国古代妇女行为的书,记载了上古至西汉约一百位左右具有通才卓识,奇节异行的女子。插图中对建筑物的形态结构进行了准确的描绘与介绍,并且在构图布局上把人物和建筑巧妙的结合。通过对宋代书籍木刻插图的研究,可以准确了解当时的人民生活风俗习惯、社会面貌和经济发展水平以及科技文化的发展水平。
宋代版画除了主要在书籍插图中有所表现,它还体现了多神信仰习俗,例如在宋代人们对“门神”的崇拜,也对版画的发展有很大影响。
元代,木刻印刷技术趋向精良,出现了简单的两版套色版画,为明代木刻艺术的新飞跃打下了坚实的基础。宋、元时期木刻是中国复制木刻发展的重要标志,并给后来的木刻以深远的影响。
清代木版艺术时期普及民间,进入普遍发展的时期,以民间木版年画为主,遍布全国各地,家家户户张贴年画,销量很大,其主要分布在开封、朱仙镇及其周边地区,这一时期的年画受到了西方油画和版画技术的影响,出现了不一样的特质,天津杨柳青、苏州桃花坞、山东潍坊等地年画也都受其影响。
明清年画用色讲究、色彩浑厚鲜艳、不易褪色、对比强烈。概括性强,以传统技法构图,有主有次,对象明显,情景人物安排巧妙,表现出匀实对称的美感,画面丰富,惟妙惟肖。木版年画是的传统民间艺术,以木刻版画为发展基础,并且也促进了木刻版画的发展与推广。
清代末年由于西方石版、铜板等铸版艺术的引进,使得雕版艺术经不住重重打击,逐渐衰落,这种状况一直持续到20世纪30年代。
新文化运动崛起后,以鲁迅为代表的新文化倡导者成立了木刻讲习会,由此兴起了轰轰烈烈的新兴木刻版画运动,木刻版画迎来了第二个春天。
这一时期的版画与时事相结合,为了抵抗西方文化的“围剿“和国内的文化压制,当时一大批艺术家在鲁迅的号召下制作了大量版画,产生大量具有思想教育性质的版画作品。
如野夫的连环木刻《水灾》和《卖盐》,新波的连环木刻《平凡的故事》,温涛《她的觉醒》等等不胜枚举的优秀作品。
相比之下,西方的版画发展要晚得多,但是他们后来居上,发展出了完全不同于中国的版画风格。
西方印刷术的出现比中国晚两个多世纪,中国的造纸和印刷术传人西方后,欧洲的版画才得以萌芽和发展。他们早期的木版画也是为了满足宗教的需要。《普洛塔木板画》和《圣克里斯多夫》是欧洲现存最早的木刻版画。其中《普洛塔木板画》是胡桃木雕版残片,刻画的是圣经中基督受刑的故事。而《圣克里斯多夫》画面上刻有明确的日期,采用油彩印刷,人物的造型朴拙,但结构严谨准确。
木版画在中世纪时期的欧洲主要用于宗教书籍的插图,例如纸牌木刻画、宗教木刻画等。总而言之,这时期木刻行业还未形成规模,各自分散雕刻,技艺也不高,手法也不熟练。直到十四世纪,欧洲西部与北部各个国家才相继有了自己的造纸坊。价格低廉的纸张,加上当时的欧洲已经具备的雕刻技术,印刷所必要的物质条件,这时已经完全具备了。
伴随着欧洲的文艺复兴,版画创作才进入一个繁荣发展的阶段,大量的木版画作品开始出现。以丢勒的作品最突出,以圣经为题材,画面采用线条来表现,人物的结构形体走向用交叉线排列来塑造,这是其最大的特点。人物结构明确,画面精细,虽然没有采用普遍的黑自对比,但艺术表现力却极其强烈。
随着欧洲工业革命的开始,欧洲社会开始进入资本主义时代,工业发展迅速,科技实力不断进步,版画的媒材运用也不断的丰富起来,以最早的木版为基础,进而发展出了铜版和石板等印刷方法,欧洲的版画开始进入繁荣时代。
德国北部以及尼德兰地区出现了铜版画,加强了版画的精细和优美的艺术表现力。之后铜版画的一项重要技术——腐蚀版画产生了,大量的画家参与到版画制作中来,艺术家的参与使其艺术性和原创性大大增强,扩大了版画的高端市场。
十七世纪在人物画风行的背景刺激下,美柔汀技术产生了,使得肖像版画达到了一个令人惊叹的高度。十八世纪雕刀木口木刻技术、石版印刷术相继诞生,石版画、铜蚀版画、雕刀木刻在十九世纪达到了全盛时期。
19世纪的照相技术的发展让原本以记录真实现状的绘画、版画处于尴尬的境地,版画艺术家们必须在这个情况下,为版画找到新的艺术需要。而此时西方绘画在法国启蒙主义思想的引导下,经历了新古典主义、浪漫主义、现实主义、印象主义等时期。
在这个不断变革的艺术发展中,版画艺术也相继革新,这个时期铜版画的代表画家有戈雅、米勒、马奈、德加、雷诺阿、惠斯勒等。他们运用当时先进的科学技术手段改进版画,表现艺术家自我精神世界,不断探求新的艺术境界。
比如,当时戈雅的铜版画里充满了各种各样想象出的元素,画面有很浓重的感情色彩,为现代版画的发展奠定了坚实的基础。
20世纪美术运动在欧洲和美国陆续繁杂的展开,他们推翻了传统艺术的观念和思维形式,提倡反唯美的表现性,这个时期的代表画派:野善派、表现主义、立体主义、达达派、未来主义、超现实主义、抽象主义等,在他们的作品中表现性、象征性及心理状态的抒发尤为突出。版画也很快投入到这个生龙活虎的艺术运动中。1915年,第一张丝网印刷感光版画在美国诞生,这使丝网印刷技术又向前迈进了一大步。丝网版画在商业广告宣传上的应用,使其在印刷技术上的优势得以充分展现。
到20世纪60年代美国艺术家安迪沃霍尔的个人丝网版画作品成功展出后,丝网版画创作被推向一个新的阶段。世界各地的艺术家纷纷采用丝网印刷创作作品,融入新兴艺术观念的视觉作品不断涌现,这也开拓了绘画艺术的又一个景观。
通过梳理中国和西方的版画史,我们发现,中国的版画艺术,一直是致力于实用和现实的艺术,其精神的寄托是本土文化的表现。中国版画艺术效果的达成需要意境的烘托,艺术家采用自由而富有变化的刀法,融人了民族文化的生机。中国传统版画作品中力与美,曲折起伏中刚柔相济,块面、色彩等等组成层次丰富,都是中国版画中富有艺术魅力的表现。
中国版画美学所表述的是天人合一,自然、朴实、返璞归真。另外就是中国人受禅学思想影响,在形和意之间的关系比较模糊。一开始虽然是从写实、描绘人物出发,但渐渐地融进了中国人独特的思维方式,天人合一的价值观念、美学观念。进而从各个方面表达了中国版画这一独特的哲学观念和思维观念。
相较之下,西方版画早期以超级写实为主要目的,他们的版画创作多具有相片记录真实的功能,因此在风格上它们多以写实为主,对于画面的构图要求严谨,整体线条要求一丝不苟,到了后来,由于照相机取代了版画,版画艺术家们才不得不面对现实,进行革新,将版画艺术从传统的重写实到注重情感精神性的主观抒发。
中国版画,是感性和理性相结合的作品,而西方版画是经历了由完全客观理性到完全主观情感的转变,它们把“原有性”的东西彻底丢掉,艺术家获得了表现意识的自由完全是对精神世界的重新构建。
西方的版画家们,通过具象或是抽象来展现艺术家内心的情感。强调的精神性,使人们产生情感共鸣,以达到思想启示。这反映了西方绘画哲学中从理性极端向主观极端的转变。
但是,中西方的版画艺术也有相似之处,它们都致力于神灵信仰、日常商业实用,是立足于实用之上的艺术创作,它们是真正“生活”的艺术,来源于生活、作用于生活。当今中国版画创作也应该从中西方版画传统中汲取灵感,纠正当前沉溺于表现抽象虚幻的艺术风格,创作出更多为大众所喜闻乐见的版画艺术让版画焕发出新的生机。
7. 画了画了stone能出国吗?
应该可以。
符合规定的情况下,可以带自己的画作出国。带自己的画作出国是否能过安检,这取决于几个因素:
1. 画作材料是否符合安检规定:如果画作涉及金属或其他安检禁止品,可能难以通过安检。一般情况下,纸本画作、木板画等较容易过关。
2. 画作尺寸是否超标:每个国家的安检机构对行李物品尺寸都有规定,如果画作超过尺寸限制,需要作为托运行李运输并支付额外费用,才有可能通过安检。
3. 所到国家对文物进口是否有特殊规定:部分国家对文物、艺术品进口有额外要求,如提供文物产权证明或其他许可证,如果无法提供,画作可能无法过关。
4. 安检人员的主观判断:即便画作材料和尺寸均符合规定,安检人员出于各种主观判断,也有可能要求打开包裹进一步检查,甚至拒绝放行。
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